Lorsque nous pensons à certains de nos personnages préférés, de Superman à Pikachu, le design est souvent la dernière chose qui nous vient à l’esprit. C’est ce qui fait un bon design de personnage : on ne se souvient généralement que du design, et non pas du designer. Mais les personnages réussis ne viennent pas de nulle part : ils sont le résultat d’une planification, d’une narration visuelle, de choix et de compétences artistiques.
C’est pourquoi le design de personnage peut être plus difficile qu’il n’y paraît au premier abord. Il doit évoquer l’identité du personnage, ce qui signifie que le dessinateur doit être capable d’utiliser des éléments visuels non verbaux tels que l’expression, le geste, la couleur et les vêtements pour communiquer les traits de personnalité. Cela est particulièrement vrai pour les styles de personnages simplistes, où le graphiste doit communiquer plus, avec moins.
Vous devrez peut-être également prendre en compte des considérations techniques, comme la possibilité d’animer facilement le dessin. En plus de cela, il y a la question de l’originalité et de l’affirmation de votre propre style de personnage.
Heureusement, créer des personnages est une pratique assez ancienne, et il existe des conseils et des méthodes de travail communs qui peuvent guider les graphistes en herbe du concept à l’œuvre finale. Cela dit, chaque artiste a une approche différente et qui lui convient. C’est en gardant ces deux éléments à l’esprit que nous avons élaboré ce guide ultime pour créer des personnages, qui présente un processus étape par étape ainsi que des astuces et des conseils spécifiques au design de personnage, fournis par des designers professionnels experts de notre plateforme.
Créer un personnage : le guide étape par étape
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- Trouvez un concept
- Créez le profil de votre personnage
- Réfléchissez aux détails
- Faites des recherches
- Recherchez le public cible
- Rassemblez des images de référence
- Choisissez les meilleurs outils pour votre projet
- Commencez par des croquis (en grand nombre)
- Travaillez rapidement
- Faites attention à la forme et la silhouette générales
- Finalisez votre croquis
- Finalisez la pose et les détails
- Obtenez des retours avant de continuer
- Numérisez votre design de personnage
- Digitalisez le croquis
- Concentrez-vous sur la valeur
- Ajoutez de la couleur
- Ajoutez la touche finale
- Choisissez un fond
- Créez une présentation
Étape 1 : Trouvez un concept
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Le design de personnage appartient à une catégorie d’illustrations appelée concept art. Il s’agit de communiquer la vision de l’artiste sur la façon dont un personnage pourrait apparaître dans un contexte futur, tel qu’un film, un jeu vidéo ou un site web d’entreprise. L’industrie du divertissement utilise l’art conceptuel pour visualiser ses idées avant d’engager des sommes exorbitantes dans la production. À cette fin, un bon dessin de personnage doit vendre la vision.
Même si vous ne concevez pas un personnage dans un but autre que d’être utilisé dans votre propre portfolio, c’est une raison de plus pour avoir un concept clair : votre design n’aura pas de contexte futur dans lequel expliquer l’histoire derrière le personnage.
Créez le profil de votre personnage
Le brief créatif, si vous en avez reçu un, est un bon point de départ. Le client doit vous fournir des informations sur le contexte du personnage, le public cible et le style préféré.
Cross The Lime, designer de niveau Expert, explique l’importance d’établir une direction sur la base du briefing : « Le caractère ordinaire ou excentrique d’un personnage dans les projets de marque dépend vraiment du secteur et du client. Demandez-leur des exemples de personnages qu’ils aiment et pourquoi. »
Mais si le client (ou l’écrivain) a déjà créé une histoire pour le personnage, l’artiste n’est pas pour autant tiré d’affaire. Les briefs sont, par nature, brefs, et il n’est pas rare qu’un client ait du mal à s’exprimer en termes artistiques.
C’est souvent à l’illustrateur d’interpréter le brief, de poser les bonnes questions, de lire entre les lignes et de distiller l’explication du client en traits de caractère essentiels. Vos idées ne doivent pas contredire le briefing, bien sûr, mais gardez à l’esprit que vous avez été engagé pour votre expertise. Dans de nombreux cas, le client attendra de vous que vous développiez le concept d’une manière originale à laquelle il n’aura pas pensé.
Si vous n’avez pas reçu de brief (et même si vous en avez reçu un), c’est une bonne idée d’en inventer un vous-même. L’objectif est d’obtenir un texte court – pas plus d’un paragraphe environ – qui donne un profil de base du personnage : d’où il vient, ce qu’il veut, ce qui le rend spécial. Les sept questions QQOQCCP (qui, quoi, où, quand, comment, combien et pourquoi) peuvent être utiles pour établir une hypothèse de base.
À ce stade, il ne faut pas s’embarrasser de détails frivoles comme « sa glace préférée est la rocky road ! », mais plutôt viser des descriptions qui servent d’introduction.
Réfléchissez aux détails
Il existe un certain nombre de techniques de brainstorming qui peuvent vous aider à développer le profil de votre personnage. L’une des plus utiles pour créer un personnage est l’association de mots, qui consiste à partir de certains mots clés du brief et à trouver les mots connexes qui vous viennent à l’esprit, soit par le biais d’une carte mentale, soit en rédigeant une liste simple. La raison en est que les mots singuliers permettent de simplifier les idées, de les distiller jusqu’à leur essence, ce qui s’avère pratique lorsque vous devez communiquer ces traits visuellement.
Selon les mots de la designer de niveau Expert noodlemie, « Je prends le temps de réfléchir à des idées et d’imaginer à quoi cela ressemblerait dans mon esprit. Avant de commencer quoi que ce soit, je me crée une atmosphère de ‘bonne humeur’ en écoutant de la musique et parfois en lisant des bandes dessinées, des nouvelles ou un roman. »
Le concept du personnage ressemble beaucoup à la destination vers laquelle votre navire se dirige, et c’est pourquoi vous devez accorder une attention particulière à cette étape. Malheureusement, il n’y a pas toujours un moyen direct de savoir si vous avez choisi la bonne destination. La création artistique est un processus qui fait appel à des sentiments aveugles, à un jugement esthétique et à des essais et des erreurs.
Développez le concept autant que possible et revenez à cette étape plus tard si nécessaire. Lorsque quelque chose cloche dans votre design, le concept sous-jacent est généralement la première chose à questionner.
Étape 2 : Faites des recherches
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Créer des personnages uniques issus tout droit de votre esprit peut sembler magique – à tel point qu’il peut être facile de négliger des considérations ennuyeuses comme la recherche. Vous vous demandez peut-être « est-ce un personnage ou une dissertation ? ». Mais la recherche et l’imagination vont de pair. Votre imagination, après tout, vient de votre esprit, et votre esprit est informé par vos connaissances et expériences du monde réel.
Recherchez le public cible
Plus important encore, votre design dépendra des expériences de votre public cible.
« Avant toute chose, faites des recherches sur le public cible auquel le personnage tend à s’adresser. » Voici comment Maylyn, la designer de personnages de niveau Expert, décrit son processus de recherche. « Cela servira de base au design. En connaissant le public, il vous sera plus facile de décider de l’apparence du personnage, notamment des couleurs à utiliser et de la mise en place de l’ambiance. »
Un client fournira généralement des informations sur le public dans le brief, mais il vous faudra faire des recherches au-delà des données démographiques telles que l’âge, le sexe, le lieu, etc. Recherchez d’autres artistes qui créent pour ce public cible, et les types de styles qui les attirent.
Rassemblez des images de référence
Ceci nous amène à notre principal moyen de recherche : la collecte d’images de référence, c’est-à-dire la recherche sur internet de photos et d’œuvres d’art en rapport avec votre concept.
Il est important de comprendre que l’utilisation d’images de référence pour l’inspiration n’est pas une tricherie (à condition, bien sûr, que vous ne créiez pas de copies exactes). Que vous le vouliez ou non, votre art est inconsciemment influencé par ce que vous avez vu, y compris par d’autres artistes qui vous ont inspiré, et le fait de rassembler des références vous permet de contrôler consciemment cette influence. En outre, la recherche du travail d’autres artistes sur des concepts ou des designs pour des publics similaires peut également vous aider à voir ce qui leur est commun et comment votre personnage peut être différent.
Comme le dit le designer de niveau Expert bananodromo, « S‘inspirer peut être nécessaire, pour comprendre comment d’autres artistes à succès rendent leurs personnages géniaux. Analysez et tirez des conclusions, mais ne copiez jamais. Trouvez votre propre voie. »
Bien sûr, les autres artistes ne font qu’interpréter dans leur art ce qu’ils voient dans la vie réelle, et votre matériel de référence doit de la même manière inclure des photos de la vie réelle ou des observations directes. Comme le dit si bien le designer de niveau Expert ananana14, « le meilleur conseil que j’aurais aimé me donner à mes débuts est que la vie réelle est la meilleure des inspirations. »
Les personnages exagérés, caricaturaux ou farfelus ne sont pas exclus – vous devez plutôt vous efforcer de les ancrer dans des traits réalistes que les gens reconnaîtront facilement. L’anatomie est également une considération importante. Même si vous ne prévoyez pas d’animer le personnage, sa pose doit être naturelle et vous devez comprendre comment il se déplace et répartit son poids.
Selon Cross The Lime, « Un bon personnage est reconnaissable, mais unique. Si vous devez dessiner une girafe, regardez des photos de girafes. Quelles sont les proportions, quelles formes composent le corps, comment fonctionnent les jambes, comment fonctionne le personnage lorsqu’il est en mouvement ? Plus vous esquissez et dessinez des variations de ces caractéristiques et formes reconnaissables, plus il est facile d’abstraire et d’inventer votre propre personnage. »
Vous pouvez trouver du matériel de référence à partir de pratiquement n’importe quelle source – Pinterest, Google images, ArtStation, Dribbble, voire votre propre rouleau d’appareil photo. Vous pouvez également rassembler des images de référence pour tout ce dont vous n’êtes pas sûr, qu’il s’agisse du concept du personnage dans son ensemble ou de détails spécifiques comme les vêtements, la coiffure, l’expression du visage, les poses, etc. L’important est que chacune de ces images vous aide à visualiser votre concept.
L’équipe de designers Experts Miniverso Studio donne son point de vue sur cette étape : « La recherche est la partie essentielle dans le design d’un personnage. Inspirez-vous d’autres designs et styles qui vous rapprochent de ce que vous recherchez. Rassemblez des références en matière d’images, de style, de couleur, de personnalité, d’expressions et plus encore. Imprégnez-vous de tout ce qui peut donner une âme à votre personnage. »
Le nombre d’images de référence dont vous aurez besoin dépendra du projet et de ce que vous pensez avoir besoin d’apprendre. Cela dit, il faut absolument en avoir plus que quelques-unes afin d’obtenir des perspectives diverses. Une fois que vous avez rassemblé ce matériel, il peut être utile de créer un collage ou un mood board. Il n’est pas nécessaire que ce soit quelque chose de sophistiqué : il suffit de rassembler toutes vos images dans un document que vous pouvez garder ouvert sur votre ordinateur pendant que vous travaillez.
Étape 3 : Choisissez les meilleurs outils pour votre projet
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On peut dire que les outils que vous utilisez n’ont pas nécessairement d’importance. En théorie, vous pouvez concevoir un personnage aussi efficacement avec un stylo et du papier que sur l’ordinateur, et de même, un logiciel de premier ordre ne dissimulera pas des concepts médiocres ou un manque de bases artistiques.
Utiliser un crayon et du papier permet de libérer notre imagination et de ne pas stagner.
Les outils que vous utilisez dépendent en grande partie du style que vous recherchez, de vos préférences personnelles et des exigences du client en matière de types de fichier. Certains styles d’art, comme l’aquarelle, peuvent être imités sur l’ordinateur mais sont généralement plus réussis dans leur support d’origine. La préférence personnelle dépend bien sûr de votre propre expérience de la création d’œuvres d’art.
Enfin, vous devez baser votre décision sur le type de fichier image souhaité par le client. De nos jours, la plupart des clients souhaitent recevoir un fichier numérique pour faciliter le stockage et le partage. Il s’agit généralement d’un fichier source original provenant d’un programme comme Photoshop et d’un fichier image simple au format JPEG par exemple.
Mais si les préférences du client déterminent le format de votre produit final, vous pouvez utiliser tous les outils que vous voulez avant d’en arriver là. Par exemple, de nombreux designers de personnages que nous avons interrogés préfèrent réaliser des croquis préliminaires sur papier.
Comme l’explique velcheva, designer de niveau Expert, « Je réalise mes illustrations à l’aide d’un ordinateur portable et d’une tablette graphique. Bien que je me sois habituée à la tablette pendant de nombreuses années, il m’est toujours assez difficile de commencer à dessiner ; je trace une ligne, je l’efface, j’en trace une autre, je l’efface à nouveau. Mais il est beaucoup plus facile pour moi de commencer à dessiner sur du papier ».
Je commence toujours mes dessins sur papier, même après des années d’expérience avec une tablette.
De son côté, Cross The Lime décrit son processus comme suit : « Je dessine souvent des contours à la main, puis je vectorise et ajoute de la couleur dans Adobe Illustrator – c’est plus rapide pour moi, et cela donne un aspect plus fluide/organique et des lignes et des vecteurs construits. »
Comme mentionné précédemment, les outils analogiques, qu’il s’agisse d’encriers ou de pinceaux, dépendront du style que vous recherchez. Les outils de dessin numériques peuvent être plus flexibles, mais passons brièvement en revue certains des logiciels les plus courants pour créer des personnages :
- Adobe Photoshop / Clip Studio Paint / Krita pour la peinture numérique (veillez à vous procurer une tablette graphique et un stylet d’une certaine marque)
- Adobe Illustrator / Affinity Designer pour les personnages vectoriels (généralement utilisés dans les logos ou les mascottes des marques)
- Maya / ZBrush / Blender pour les personnages en 3D
- Procreate pour dessiner à l’aide d’une tablette (imite l’expérience du dessin avec un carnet de croquis, assurez-vous d’acheter un stylet)
Étape 4 : Commencez par des croquis (en grand nombre)
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Le terme « miniature » vous est peut-être familier en raison de son utilisation sur internet : une minuscule version d’aperçu d’une image ou d’une vidéo. Dans le monde de l’illustration, l’idée est similaire – les images miniatures sont de petits échantillons d’images – mais l’objectif est différent.
Les miniatures permettent à l’artiste de mettre son idée en pratique, en essayant plusieurs petits dessins rapides avant de s’engager sur une seule idée, comme l’explique noodlemie : « Je fais quelques gribouillis ou croquis sur papier pour avoir plusieurs options avant de réaliser l’illustration numérique à proprement parler, et ce après avoir cherché des références connexes pour le style ou la coloration ».
Travaillez rapidement
Il n’y a pas de taille spécifique recommandée pour les miniatures, mais l’idéal est qu’elles soient suffisamment petites pour que vous puissiez en faire tenir des dizaines sur la même page. Elles doivent être dépourvues de la plupart des détails et se concentrer sur les formes et les gestes de base. La clé est la variété – en termes de poses, d’angles de vue et de l’image de référence spécifique que vous capturez. Esquissez autant d’idées que vous pouvez, même si vous pensez en avoir trouvé une qui vous plaît déjà.
Vous devez également mettre l’accent sur la vitesse et le volume : visez une minute ou moins pour chaque miniature. Cette méthode de travail vous évite de vous attacher à un dessin en particulier, car plus vous consacrez de temps à une esquisse, plus vous serez réticent à changer les choses. La rapidité du trait vous permettra également de capter l’énergie de la pose du personnage.
Un autre de nos designers de personnages de niveau Expert, BayuRIP, utilise cette phase pour propulser le concept vers de nouveaux sommets : « Combinez certains éléments dans le personnage, rendez-le bizarre et unique. Essayez d’explorer la forme et l’angle pour le rendre différent et ajoutez votre style personnel au design ».
Faites attention à la forme et la silhouette générales
Lorsque vous en avez un bon nombre (des dizaines, au moins), une technique utile consiste à bloquer les silhouettes. Cela signifie qu’il faut peindre par-dessus la forme afin de voir si l’image se lit clairement en se basant uniquement sur son contour. Demandez-vous si vous pouvez dire ce que l’image est censée être. Quelles sont les formes dominantes ? La pose est-elle claire ?
Cross The Lime résume : « Il est encore plus important de garder à l’esprit une silhouette bien précise. Les oreilles, la forme de la tête et la position des bras doivent être clairement définies, afin de pouvoir reconnaître le personnage même s’il ne s’agit que de la silhouette. » Si vous ne l’avez jamais fait, il est bon de vous familiariser avec le langage des formes, qui (en plus de la couleur) est un moyen visuel essentiel pour communiquer des traits et des émotions tels que la stabilité, le danger ou l’innocence.
Étape 5 : Finalisez votre croquis
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J’espère que vous n’en avez pas marre de dessiner, parce que ce n’est pas fini.
Cela dit, c’est une bonne idée de faire une pause à ce stade si vous avez un peu de temps. Cela vous permettra de faire le vide et de revenir à vos dessins avec un nouveau regard. Une fois que vous êtes prêt à vous remettre au travail, cherchez le croquis qui évoque le mieux votre concept. Créez ensuite une esquisse plus grande et plus détaillée qui servira de base au design final.
Miniverso Studio souligne l’importance de cette étape : « Le processus de numérisation est d’autant plus facile avec un croquis bien élaboré. »
Finalisez la pose et les détails
À ce stade, votre principale préoccupation doit être la pose. Prenez donc le temps d’esquisser quelques options qui mettent en valeur la personnalité du personnage. Si vous concevez un personnage pour un animateur, vous devrez également créer une poignée de croquis orthographiques de la pose en T. Ces croquis présentent une vue de face, de dos et de côté du personnage debout, les jambes jointes et les bras écartés, et donnent à l’animateur une vue neutre du dessin sur lequel il pourra s’appuyer pour l’animer. Les poses en T peuvent également être utiles pour faire ressortir les détails des vêtements qui pourraient être perdus dans une pose plus expressive.
Cross The Lime conseille : « Lorsque vous faites vos croquis, n’oubliez pas que, selon l’utilisation que vous en faites, votre personnage doit pouvoir se déplacer. Devra-t-il tenir un panneau, sauter par-dessus des objets ou se pencher ? L’anatomie de votre personnage doit le permettre. Idéalement, votre première page de croquis de personnage comporte des expressions, ainsi que le fait que le personnage sous plusieurs angles de vue. À quoi ressemblera une vue de face, une vue de côté, de deux tiers et peut-être même de dos ? »
Outre la pose, vous devez prêter une attention particulière à des détails tels que l’expression du visage, les gestes des mains et les plis des vêtements, afin d’aller le plus loin possible dans le design. « L’expression du visage, notamment les yeux, définit de manière significative l’humeur du personnage », explique Maylyn. « La posture et les couleurs font ressortir le personnage. Ainsi, tout doit se compléter pour rendre votre personnage vivant et crédible. »
Obtenez des retours avant de continuer
Si vous travaillez en équipe ou avec un client, ça peut être le bon moment pour recueillir des commentaires avant d’aller plus loin, auquel cas vous pouvez proposer quelques options (pas plus de trois). L’objectif de cette esquisse est de guider votre travail final, il sera donc plus difficile d’apporter des modifications importantes au design à partir de maintenant.
Étape 6 : Numérisez votre design de personnage
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À bien des égards, vous avez déjà réussi à concevoir un personnage à ce stade. Le design est moins une question de flair illustratif et plus une question de choix, de création du concept, et le gros de ce travail difficile est derrière vous. C’est maintenant que vous commencez le processus de rendu, qui est une façon artistique de dire que vous passez de l’esquisse à l’œuvre d’art finie. Bien entendu, cela ne veut pas dire que vous devez accorder moins d’attention au rendu. Pour que votre concept de personnage soit accepté, il faut qu’il soit vraiment présentable. En outre, il se peut que vous remarquiez des détails que vous devrez modifier à mesure que votre design devient plus réaliste.
Digitalisez le croquis
Si vous avez travaillé sur papier jusqu’à présent, vous devrez d’abord numériser votre croquis. Vous pouvez le faire assez facilement de nos jours à l’aide d’un smartphone, comme nous le raconte velcheva : « Je prends des photos avec mon téléphone et je m’envoie un message personnel dans n’importe quel logiciel de messagerie qui est également installé sur mon ordinateur portable (c’est beaucoup plus rapide que de scanner). Je prends une photo de ce croquis, j’en fais une couche translucide et je dessine par-dessus dans un logiciel d’édition graphique. »
Veillez également à convertir l’image en noir et blanc et à ajuster le contraste pour faire ressortir les traits. Il peut également être utile de tracer une esquisse numérique propre par-dessus celle-ci à l’aide de l’outil pinceau. Vous pouvez aussi passer à l’encrage si votre personnage comporte des lignes encrées de type cartoon. Enfin, veillez à réduire l’opacité de votre esquisse afin de pouvoir dessiner par-dessus.
Si vous vous en tenez à une œuvre d’art physique, vous pouvez utiliser du papier calque pour transférer une version propre de votre croquis sur votre toile. À partir de là, vous pouvez effectuer un rendu simple à partir des couleurs et des matériaux de votre choix.
Concentrez-vous sur la valeur
La plupart des artistes recommandent de commencer cette étape en se concentrant sur les valeurs, c’est-à-dire sur les ombres et la lumière. Vu que ce n’est déjà pas si simple en soi, il est préférable de séparer la valeur de la couleur.
Pour bloquer la valeur, vous devez choisir des nuances de gris contrastées pour les ombres, les tons moyens et les reflets. Dans un calque séparé sous votre esquisse, colorez votre personnage avec le ton moyen. Ensuite, décidez de l’angle d’où provient votre source de lumière (n’oubliez pas les sources secondaires, comme la lumière qui se reflète sur le sol et sur le personnage) et délimitez la zone générale des ombres et des lumières sur le personnage.
Si vous optez pour un style plus pictural, vous pouvez mélanger ces tons en utilisant un pinceau dont l’opacité est réduite et en échantillonnant périodiquement de nouveaux tons gris à l’aide de l’outil pipette. Sinon, la plupart des styles de dessins animés ont tendance à conserver des bords durs pour leurs couleurs et leurs ombres. Pour vous faire une idée de la manière dont tout cela est réalisé, recherchez et étudiez les vidéos de processus d’autres designers de personnages sur YouTube.
Ajoutez de la couleur
Lorsque vous arrivez à la phase de l’ajout de couleur, Miniverso Studio vous donne un conseil judicieux : « La phase finale et la plus amusante est arrivée ! Mettez votre chanson préférée et cherchez un endroit confortable ; dans cette phase, l’œuvre finale est la récompense de votre dur labeur ».
Pour les couleurs, vous devez choisir celles qui contribuent à l’ambiance générale et à l’histoire du personnage, mais qui sont également réalistes. Une bonne maîtrise de la théorie et de la psychologie des couleurs, ainsi que l’étude des couleurs de vos images de référence, peuvent vous aider à identifier la palette de couleurs idéale.
Travailler de manière non destructive dans une couche de couleur séparée vous permettra également d’expérimenter. Lorsque vous êtes prêt à peindre vos couleurs, utilisez un mode de fusion tel que « Couleur » dans Photoshop afin de teinter vos tons de valeur avec la couleur appropriée.
Étape 7 : Ajoutez la touche finale
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Aucun personnage ne vit dans le vide. À vrai dire, techniquement, Galactus vit dans l’espace, mais pour ce qui est de tous les autres, il est important de créer un espace environnant pour une présentation efficace.
Choisissez un fond
En général, la construction d’un arrière-plan détaillé avec des décors et des accessoires représente non seulement beaucoup de travail supplémentaire, mais elle peut aussi détourner l’attention du personnage.
Une option consiste à suggérer un arrière-plan distant, hors du champ de vision, avec des formes grossièrement peintes derrière le personnage. Mais la plupart des artistes optent pour un arrière-plan assez simple, souvent dans un ton grisâtre neutre avec un dégradé de couleurs ou une texture subtile. Les couleurs que vous choisissez peuvent renforcer l’humeur du personnage. L’ajout d’une ombre au sol est également un moyen simple d’ancrer votre personnage dans l’espace et de renforcer l’éclairage.
Créez une présentation
En outre, vous allez devoir préparer une présentation pour le client. Ces présentations comprennent souvent une variété de poses secondaires (y compris des poses neutres), de tenues, d’expressions faciales, de gros plans et de profils latéraux du visage.
Ces variations peuvent être beaucoup plus simples que la pose d’action principale puisque le dessin doit être le point central. Certains artistes aiment montrer quelques croquis et vignettes pour que le client puisse apprécier le développement du concept. Cela permet non seulement de donner des options au client, mais aussi de lui donner l’impression que le personnage est vivant et non une poupée figée dans une pose statique.
Bien sûr, avant d’envoyer votre présentation à votre client, il est bon de prendre un peu de recul et d’évaluer honnêtement comment vous réagissez vous-même au personnage final.
« Posez-vous la question suivante : Ce personnage vous fait-il rire ? Dans mon cas, une composante énorme de mon travail est le facteur comique », l’artiste bananodromo décrit son processus. « J’aime les détails idiots, les expressions grotesques, le surréalisme, l’effet de surprise. Bien sûr, cela ne s’applique pas à tous les projets […] mais principalement aux plus créatifs. »
4 conseils finaux sur le design de personnage
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Le design de personnage peut ressembler à de la magie artistique, mais elle implique en fait de la réflexion, de l’expérimentation et un travail acharné pour obtenir un résultat réussi. Si les étapes que nous avons présentées ici peuvent vous donner un cadre de départ pour développer vos créations de personnages, il faut du temps et de la pratique pour affiner vos compétences en tant que designer de personnages.
C’est pourquoi nous vous laissons avec quelques conseils de designers de personnages expérimentés pour vous aider dans votre parcours :
2. Voyez le bon côté des choses, comme c-artworker : « Où que vous alliez, faites toujours des gribouillages sur des serviettes, du papier à dessin, des tablettes, peu importe. Avec le temps, vous obtiendrez une bibliothèque de formes, de gestes et de silhouettes. Ne soyez pas frustré par les refus. Vous avez un travail merveilleux pour lequel vous n’êtes pas obligé de porter de cravate et où vous n’avez pas à préparer le café de votre patron. »
3. Ou comme Maylyn, soyez persévérant. « Trouvez le temps de vous entraîner. En tant qu’amateur d’anime, j’ai commencé à dessiner des personnages d’anime à mes débuts en tant qu’artiste. Et honnêtement, cela m’a aidé à affiner mes compétences au fil du temps. »
4. Enfin, ananana14 nous montre que le dessin de personnages consiste à trouver sa voie : « Lorsque je me suis lancée dans le graphisme, le design de personnage me semblaient si éloigné et irréalisable. Puis j’ai eu un chat, puis un autre, et oui, vous l’avez deviné, j’ai commencé à dessiner des chats. J’ai commencé à remarquer comment ils couraient, comment ils s’asseyaient, leurs poses et j’ai utilisé cela dans mes dessins. Le fait que les chats ne restent pas assis à attendre que je finisse mon dessin m’a également aidé. C’est comme ça que j’ai dû apprendre à relever les traits les plus importants, à les exagérer et à ne pas trop m’attarder sur les détails. »
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Author: Jamahl